교향곡 1번 "타이탄" 
글 / 이 일 후 (레코드 포럼. 1996년 11월호)
1. 교향곡 1번 해설 
2. 교향곡 1번 음반 

1. 교향곡 1번 D 장조 
그림 설명 ; 구스타프 클림트 / Medicine (Hygieia) 1900-07  ☞ 아바도의 1번 교향곡 음반 (시카고심포니)

        필자는 이미 '레코드 포럼'의 1995년 8월호에서 '포럼 초이스' 란을 통해 이 곡에 대해 이야기한 적이 있다. 다시 그 글을 들여다 보았을 때 부끄럽게도 몇 가지 잘못된 점 들을 발견할 수 있었다. '결자해지(結者解之)'란 말이 있듯이 결국 여기서 다시 쓰는 것이 최선의 해결방법이 아닌 가한다. 하지만 필자만의 책임은 아니라고 항변도 해본다. 말러 음반의 몇몇 CD 해설지는 잘못된 정보를 수록하고 있다. 해설지에 너무 의존하지는 말기 바란다.  

작곡의 배경과 초연 

        말러의 첫 교향곡이 작곡된 기간에 대해서는 학자들마다 의견이 분분하다. 작곡가 자신은 1888년 한 해의 6주 동안 열병에 결린 것처럼 몰두하여 이 곡을 작곡했다고 밝히고 있으나, 그의 친구인 프리츠 뢰르나 귀도 아틀러는 작곡의 시작이 1884년으로 거슬러 올라간다고 추측한다. 음악학자 아놀드 취틀러나 길버트 카플란도 말러가 카펠의 왕립 극장의 지휘자로 지내던 시절(1883-1885)에 있었던 극장가수 요한나 리히터와의 사랑이 '방황하는 젊은이의 노래'와 함께 이 곡을 착수하게 만들었다 라는 의견을 제시하고 있다. 하지만 라이프치히 시절의 여러 자료를 근거로 추측할 때 결국 교향곡에서 차용하고 있는 '방황하는 젊은이의 노래'를 포함한 몇 아이디어들이 그의 카펠 시절로부터 시작되긴 했지만 곡의 대부분은 작곡가의 말대로 1888년의 1월에서 3월에 집중되어 작곡되어진 것 같다. 

        비록 1888년 5월에 라이프치히 극장 일을 그만 둔 이후로도 말러는 이 곡을 라이프치히에서 연주하고 싶어했지만, 결국 초연은 그의 부다페스트 시절 필하모니 협회의 연주회에서 이루어졌다. 결과는 완전히 실패였다. 청중들은 야유를 퍼부었고 평론가들은 작곡가가 자신들을 조롱하고 있다고 여겼다. 첫 악장들의 반응은 아주 나쁘지 않았지만 잘 알려진 노래 'Jacques Frere' 가 예고 없이 단조로 전조되어 등장하거나 극장이 떠나갈 정도로 시끄럽게 울려대는 마지막 두 악장들을 청중들은 참지 못했다. 자신의 작품을 처음으로 지휘해 본 말러가 이 초연 이후 친구들을 멀리 할 정도로 완전히 실의에 빠진 것은 물론이다.   

곡의 프로그램 

        부다페스트에서 초연 될 때 이 곡은 단순히 '2부로 구성된 교향시'로 소개되었고 '장송 행진곡 풍으로'라고 명명된 4악장(지금의 3악장)만 제외하고는 다른 부차적인 제목은 없었다. 이 곡이 오랜 기간 후에 1893년 함부르크에서 다시 등장했을 때는 다음과 같은 프로그램으로 소개되었다. 

제1부 - '젊은 날로부터', 꽃, 과일 그리고 가시의 곡 

        1악장 : '끝없는 봄' (서주와 알레그로 코모도), 
                 서주는 자연이 긴 겨울의 잠으로부터 깨어나는 것을 묘사한다. 
        2악장 : '불루미네' (안단테)
        3악장 : '돛을 달고' (스케르쪼)

제2부 - '인간 희극'

        4악장 : '궁지에 빠져' (캘롯 풍의' 장송 행진곡)
        5악장 : '지옥으로부터' (알레그로 푸리오소) '상처 입은 심장의 갑작스런 발작 

        그리고 전체 교향곡의 제목은 장 폴 리히터(1763-1825)의 소설에서 따온 '타이탄'이었다. 이 프로그램이 도움이 되었는지 청중들의 반응은 열광적이었다. 1894년의 바이마르 연주회에서도 마지막 악장의 제목이 '지옥으로부터 천국으로'로 조금 바뀐 것을 제외하고는 함부르크 판과 거의 동일한 프로그램이 사용되었다. 그러나 평론가들이나 말러의 친구들은 이 프로그램이 오히려 더 혼동스럽고 성가시다고 생각하였고, 말러 역시 결국은 이 제목들의 부정확함을 인정하고 이런 제목들이 청중들로 하여금 곡을 잘못 이해하도록 만들 위험이 있다고 결론 내렸다. 결국 1896년의 베를린 연주회에서는 모든 제목들과 '불루미네' 악장이 생략되고 '대규모의 오케스트라를 위한 교향곡 D 장조'라고만 불렀다. 악보가 출판될 때에는 관악기를 중심으로 악기가 더 보강되었고, 4악장의 클라이맥스에서는 9명의 호른 주자들이 모두 일어서도록 지시되기도 하였다. 때때로 이 지시가 지켜질 때 그 장관을 목격하실 수 있을 것이다. 재미있는 것은 부다페스트 초연은 문제의 프로그램이 구상되기 전에 이루어졌다고 알려져 있었지만, 최근에 발견된 자필 악보의 표지에 의하면 함부르크 연주회에 사용된 것과 거의 동일한 프로그램이 이미 초연 때부터 구상된 것을 알 수 있었다. 역시 말러는 절대음악 보다는 R. 슈트라우스의 '짜라투스트라는 이렇게 말했다'라든지 '돈키호테'처럼 여러 악장으로 이루어져 이야기를 담고 있는 큰 규모의 곡을 염두에 두었던 듯 하다. 

곡의 구성 

        곡의 첫 번째 악장을 서주를 포함한 소나타 형식으로 간주할 수 있기는 하지만 결코 전통적인 의미로서의 형식은 아니다. 서주는 상당히 길다. (1-58마디) 여기에서 현악기의 '오르간 포인트'('페달 포인트' 라고도 하는데  몇 마디에 걸쳐 한 음 만을 길게 지속시키는 것을 일컫는다. 이를 배경으로 다른 성부에서는 자유롭게 화성 진행이 이루어진다)를 배경으로 간간이 울리는 클라리넷이나 무대 뒤의 트럼펫 팡파르는 긴 겨울잠으로부터 자연을 깨운다. 이 서주는 단순히 여기에서 끝나지 않고 발전부의 시작을 알리기도 하며 4악장에서도 주요하게 다루어진다. 제시부(62-357마디)가 시작되며 첼로에 의해 등장하는 주제는 말러의 '방황하는 젊은이의 노래' 중 두 번째 곡인 '오늘 아침 들판을 거닐 때'이다. 그 가사의 이미지를 차용하고 있는 것은 물론이다. 여기에서 이 곡이 전통적인 소나타 형식이라고 부르기는 어려운 것이 이 주제와 대비를 이루는 제 2주제의 등장이 없기 때문이다. 여기에서 사용되는 주제는 하나밖에 없다. 발전부(163-357) 역시 서주로 시작된다. 그 다음 등장하는 호른의 멜로디는 '마탄의 사수' 중에서 '사냥꾼의 합창'을 연상시킨다는 의견을 종종 듣게 되는 데 정말로 그러하다. 이 멜로디 이후 등장하는 첼로의 칸타빌레 멜로디가(221마디) 제시부에 존재하지 않았던 소나타 형식의 제2주제 역학을 함으로서 바로 제1주제와 결합되며 발전된다. 또한 발전부에서는 피날레에서 사용될 '지옥' 주제가 어렴풋이 소개되기도 한다(305마디). 재현부(358-442마디)는 트럼펫의 요란한 팡파르 이후 다시 나오는 '사냥꾼의 합창'으로 시작되고 첼로의 칸타빌레 멜로디로 이어진다. 

        2악장 스케르쪼는 말러가 즐겨 사용하는 민속 왈츠 형식, 렌틀러이다. 말러는 이 주제의 오스티나토를 그의 초기 가곡 '헨첼과 그레텔'에서 가져왔다. '이 음악은 시골의 주점을 연상시킨다. 제목은 스케르쪼이지만 이 곡은 솔직함이 미덕인 농부들의 춤이라고 할 수 있다' 라는 당시의 평론가 아우구스트 베어의 평이 이 곡을 잘 설명한다. 트리오는 보다 사랑스럽다. 

        3악장은 때로는 아름답지만 조금 섬뜩한 느낌도 든다. 이 곡이 장송행진곡은 남독일의 유명한 옛 동화 삽화에서 아이디어를 가져온 것이라고 하는데, 이 그림은 사냥꾼의 관을 숲의 동물들로 이루어진 보헤미안 밴드가 따르는 우화이다. 하지만 그보다 흥미를 끄는 것은 이 주제가 유명한 노래 'Frere Jacquew'를 단조로 전조하여 그대로 사용하고 있다는 것이다. 'Brother John'이라는 제목으로 영어로 옮겨진 가사는 'Are you sleeping, are you sleeping, brother John?'이다. 말러의 12 형제 중 5명이 어려서 죽었고, 살아남은 말러는 이들에게 늘 죄책감을 가졌다고 전해진다. 자, 말러는 아직도 자고 있느냐고 형제들에게 묻는다. 케논(돌림노래)으로 진행되는 이 주제를 배경으로 클라리넷에서는 독자적인 멜로디가 흘러나오게 되는데, 아도르노는 이를 최초로 드러나는 말러의 전형적인 대위선율이라고 하였다. 이 주제의 중간부분에는 유대풍 혹은 헝가리풍 밴드 선율이 느닷없이 흘러나오는데, '지붕 위의 바이올린'의 중간에 삽입되어도 전혀 이상할 것이 없는 이 주제는 작곡가의 출신성분을 드러낸다. 악장은 3부 형식으로서, 중간부에서 차용하고 있는 것은 역시 '방황하는 젊은이의 노래'의 마지막 곡인 '그녀의 푸른 두 눈동자'이다. 실연 당한 주인공의 세계에 이별을 고하는 곡으로서 약음기를 낀 바이올린에 의해 연주된다 

        이 악장의 패러디가 청중들에게는 늘 문제가 되었지만 말러 자신은 많은 관심을 가지고 있었다. 그는 이 음악이 '때로는 아이러니하면서도 행복한 것으로, 때로는 섬뜩하면서도 깊은 것으로' 이해되기를 원했다. 1894년의 바이마르 연주회 이후 말러는 이 곡을 프로그램화하여 설명하고 싶어하지 않았는데, 이는 오히려 더 큰 혼란을 청중들에게 가져다 주어서 1901년에 이르러서도 루트비히 쉬더마이어같은 평론가는 이 곡이 '행복하고 떠들썩하게 흘러간다'고 평하는 바람에 말러를 성가시게 만들었다. 말러는 나중에서야 왜 이토록 청중들이 이 아이러니를 이해하지 못하는 지 알게 되었다. 1910년 레이덴에서 프로이트와 가졌던 대화를 통해, 말러는 그의 음악이 깊은 감정에 영감을 받은 가장 숭고한 순간에서도 왜 늘 갈구하던 완벽함을 얻지 못하는 지 갑자기 깨달았다. 이유는 이 악장처럼 어떤 종류의 속된 멜로디가 끼여들어 모든 것을 망쳐놓을 것이기 때문이었다 프로이드는 말러가 어렸을 적 어머니가 아버지로부터 받은 학대를 견디다 못해 거리로 뛰어 나갔을 때 거리의 손풍금에서는 유명한 비인의 노래 'Ach du liebe Augustin'가 유쾌하게 흘러나오고 있었던 기억을 가지고 있음을 발견하였다. 프로이드는 이 사건이 말러에게 많은 영향을 주었을 것이라고 분석하게 된다. 고등학교 때 제2외국어가 독일어였던 분이라면 아마 그 곡을 알고 계실 것이다. 이 곡은 헤르만 헤세의 '수레바퀴 밑에서'도 말러의 교향곡에서의 역할과 마찬가지로 한스 기벤라트의 좌절과 대비시키며 아이러니의 효과를 위해 뒷 부분에 언급되고 있다. 

        4악장은 '아타카(쉼 없이)'로 바로 이어지는데 초연 당시 폭풍과 같은 이 곡의 충격은 대단한 것이어서 말러의 친구 프리트리히 뢰르는 '근처에 앉은 한 귀부인은 아타카로 이어지는 마지막 악장에 너무 놀라 들고 있던 것을 전부 떨어뜨렸다'라고 회상하고 있다. '지옥으로부터 천국으로'라는 곡의 초기 제목은 당연히 단테의 이름을 떠올리게 만든다. 처음에 '폭풍처럼' 제시되는 주제가 바로 '지옥' 주제이다. 말러는 이 주제의 동기를 리스트의 '단테 교향곡'으로부터 가져왔다. 이 폭풍은 긴 라인의 서정적인 제2주제로 이어지고 제시부(1-253다디)의 마지막에서는 1악장의 서주를 회상한다. 발전부(254-457마디)에서도 앞에서 제시된 두 주제가 주요하게 사용되기는 하지만 '천국'의 코랄이 제2주제와 다시 등장하는 1악장의 서주 사이에서 그 모습을 드러내기도 한다. 말러는 1악장의 서주를 재인용한 이 부분을 일컬어 '영웅의 젊음에 대한 암시'라고 하였다. 재현부(458-695마디)는 서정적인 제2주제로 시작하고 그 다음 부분에서 '지옥' 주제는 ppp로 멀리 물러나 있음을 알 수 있다. 결국 마지막은 '천국' 주제의 승리가 코다(696-731마디)로도 이어지며 화려하게 마무리지어진다. 말러가 '지옥' 주제의 동기를 리스트의 '단테 교향곡'으로부터, '천국' 주제의 동기를 바그너의 '파르지팔' 중 성배의 주제로부터 가져온 것은 의미심장한 일이다. 이외에 이 악장에서는 말러의 초기 작품 '탄식이 노래'의 흔적도 엿볼 수 있다. 

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2. 음  반 
        이 곡의 음반은 수도 없다. 그리고 필자가 보기에는 이 곡의 해석은 대동소이하여 많은 음반들이 만족스러운 연주를 들려주고 있다. 특히 4악장의 경우 몇몇 예외를 제외하고서는 대부분의 음반들이 20분에 연주하고 있는데, 이 정도의 길이에서 이토록 연주시간이 차이나지 않는 것은 매우 드문 일이다. 뒤에서 소개하는 음반 외에도 많은 음반들이 들을 만 하다. 

        하이팅크의 다른 두 녹음들(모두 Philips)도 모두 안정되고 널찍해서 좋다. 발터의 경우 1939년 NBC 심포니와의 음반(그라모포노 2000)도 들을 수 있지만 생기를 잃은 녹음이 문제이다. 악보도 이상한데, 3악장의 패러디 중간에 심벌즈와 팀파니가 함께 뽕짝 리듬을 연주하는 부분에서 두 악기 모두 생략되어 있다. 모든 면으로 1961년의 연주가 나을 것이다. 솔티는 역시 직설적이다. 필자는 런던 심포니와 시카고 심포니와의 두 연주(모두 Decca)중 악단의 소리가 좀 더 밝은 후자를 선호한다. 도흐나니의 연주(Decca)는 매우 섬세한 클리블랜드의 현악 소리를 들을 수는 있지만 전체적으로 울림이 너무 가벼운 것이 흠이고, 오자와의 두 번째 녹음(Philips)은 우유부단하고 촛점이 없다. 담백하기로 유명한 오자와의 첫 번째 녹음(DG)이 폐반된 것은 꽤 아쉬운 일이다. 물론 그 좋았던 텐슈테트의 디지털 연주(EMI)가 폐반이 된 것도 아쉽다. 그 외 인발(Denon), 아브라버넬(Vanguard), 데 바르트(RCA) 등의 연주는 듣는 재미가 부족하다. 가장 좋은 연주를 가리는 데는 여러 기준이 있을 테지만 해석의 활력과 특히 오케스트라의 기량에서 다른 연주들과 비교가 되지 않는 아바도의 음반을 선택할 수밖에 없었다.